«ОСЕНИ ПРОЩАЛЬНАЯ СЛЕЗА»…/Работы художника Чиканов Владимир Германович…

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 22-11-2017

Метки: , ,




Чиканов Владимир родился в 1964 году в городе Рыбинске. В 1984 году закончил Рыбинское речное училище имени Калашникова. В 1991 закончил Выборгскую высшую художественную школу имени Крамского.

Закончил художественную школу, и Академию художеств в Дюссельдорфе (Германия) Закончил два мастер-класса по классу живопись, акварель у профессора Брейтфуса С.С. (г. С-Петербург).

В 2002 — 2003 году участвовал в художественной выставке в ЦДХ г. Москва.

Работы находятся в частных коллекциях Швеции, Германии, Китае и Японии.



Дни поздней осени бранят обыкновенно,
……………………………………….Но мне она мила, читатель дорогой,
……………………………………….Красою тихою, блистающей смиренно.
……………………………………….Так нелюбимое дитя в семье родной
……………………………………….К себе меня влечет. Сказать вам откровенно,
……………………………………….Из годовых времен я рад лишь ей одной,
……………………………………….В ней много доброго; любовник не тщеславный,
……………………………………….Я нечто в ней нашел мечтою своенравной.

ПУШКИН

Пляшет в лужах осень-баба,
Сплошь изорванный подол!
Босоного,  по ухабам,
Всё идёт в туманный дол.
Нынче пьяная от страсти,
В косах ветер загулял.
Вслед грачу вскричала: «Здрасте!
Улетел… Ну, вот нахал!»
Дождь проклятый, будто водка –
Крепок градус ноября!
Осень, пьяною походкой,
Пляшет, юбку теребя.
Пляшет в лужах осень-баба –
Как монисто,  смех звенит.
Но усталость «на арапа»
Взять бунтарку норовит.

Бабе, вроде, горя мало,
Но изменит всё заря –
Белоснежным покрывалом
Будет устлана земля.

…Отоспавшись, удивится:
– Вновь в объятьях декабря!

Натали САМОНИЙ,

Запятнано небо осеннею грустью:
Закат ли, рассвет ли — тоска без границ.
Речною волною, впадающей в устье,
Бьёт сплин через кромки душевных криниц*.

Ветра, хорохорясь, цепляют прохожих
И дразнят заносчивей день ото дня…
Всё меньше и меньше мгновений пригожих,
Овраги туманов — печаль… Западня!

…Запятнано сердце осеннею грустью.

Натали САМОНИЙ

Листом останным, как платочком,
Ноябрь машет на прощанье.
А в небе, ветра завиточком,
Нам осень пишет: «До свиданья!»
Листом останным, как платочком,
Слезинки осень утирает,
Ведь хрусталём дождинкам  ночью
Стать суждено… Она рыдает.

В листок  останный, как  в платочек,
Слезу последнюю  роняя,
Нам осень зимушку пророчит,
Прощальным взглядом обнимая.

Натали САМОНИЙ

Белая графика зимних пейзажей
Радостной новью раскрасила жизнь.
Скрыта под снегом вчерашняя сажа,
День будто просит: «Зиме улыбнись!»

В ангельских крыльях – деревья в убранстве,
Только вороны-чертовки снуют.
Жизнь в чёрно-белом своём постоянстве,
Голуби спрятались – галки поют.

Белая графика – чёрные птицы,
Звонкое «Кау!»* рушит покой.
Пишет зима новой жизни страницы…
Хоть и мороз – льются рифмы рекой.

Льются журчащие рифмы рекою,
Муз белокрылых над городом – рой…
Словно сугробы, строка за  строкою…
Дух очарован зимы красотой!

Натали САМОНИЙ

Зима снегами посыпает
Соцветия поздних хризантем.
Всех белой сказкой окрыляет,
Зовёт в заснеженный эдем.

Целует ягодные щёки,
Плоды в мороз –  на вкус, что мёд…
Ещё вчера горчили соки,
Сегодня – сладость в них живёт.

Зима ступает легкокрыло,
Освобождает от оков:
Ещё вчера – ноябрь унылый,
Сегодня –  нежность облаков.

Натали САМОНИЙ

Фантазии на тему мозаики из остатков керамической плитки. Украшаем дом!

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in Архитектура, Дизайнерские находки, ИСКУССТВО | Posted on 19-11-2016

Метки: , , , , ,

3925073_decortiles (700x450, 364Kb)
Что может быть привычнее, чем керамическая плитка? Пол или стены, облицованные кафелем – классический, но далеко не единственный вариант его применения. Стоит подключить фантазию — и даже стандартный отделочный материал обретает вторую жизнь!
Где взять керамическую плитку для использования ее в качестве декора? Проверьте чердак на наличие остатков этого материала после ремонта. Если их нет — обратитесь в любой строительный магазин. Там можно приобрести остатки плитки буквально за пару рублей.
1. Облицовка рабочей поверхности кухонного гарнитура
3925073_370164954_1_ (700x429, 252Kb)
Яркий фартук преобразит даже стандартную кухню.
Керамическая плитка – прочный и долговечный материал, которому не страшны высокие температуры, влажность, воздействие практически любых чистящих средств. Прямо на плитку, не волнуясь о ее возможном повреждении, можно ставить горячие кастрюли.
3925073_370167407_1_ (700x524, 159Kb)
Кухонный фартук плавно переходит в облицовку столешницы.
Интересное решение – рабочая поверхность и кухонный фартук, облицованные гармонирующими видами плитки. Одна поверхность плавно переходит в другую. При этом пропадает необходимость в обустройстве стыков, что облегчает уборку на кухне.
2. Новая жизнь старой мебели
3925073_370169122 (700x525, 289Kb)
Плитка отлично сочетается с коваными элементами.
Обеденный стол, столешница которого декорирована плиткой, станет настоящим украшением гостиной или кухни. Совсем необязательно использовать целую плитку. Из небольших фрагментов кафеля, оставшегося после ремонта, можно выложить живописное мозаичное панно. Если остатков плитки не сохранилось – их можно купить в ближайшем строительном магазине практически за бесценок или даже взять бесплатно.
3925073_370162225 (700x466, 396Kb)
Плитка уместна и для декора садовой мебели.
На очищенную поверхность столешницы плитка приклеивается латексным клеем, швы заполняются затиркой для кафеля. После полного высыхания затирки стол готов к использованию! Подобным образом можно декорировать старую скамейку или стул, дверцы подвесных шкафов.
3. Настенное панно — замена надоевшим картинам
3925073_370164594 (700x525, 348Kb)
Мозаика из битой плитки — демократичная замена обычной мозаике.
Из разноцветных фрагментов керамической плитки получится создать красочное панно. Сложность рисунка зависит исключительно от вашей степени креативности! Простой мотив на стене, который затем выкладывается плиткой, сможет нарисовать даже ребенок. Это могут быть схематические изображения цветов, животных, орнаменты.
Простая в реализации идея – абстрактное панно из разноцветных полос, геометрических фигур. В качестве мозаики используйте не только остатки кафеля, но и битую посуду, крупные бусины. Для разработки сложного панно рекомендуем привлечь друзей, обладающих художественным вкусом. Это необходимо для создания цветовой схемы, которая сделает изображение объемным. Если вы будете составлять схему самостоятельно, то помните: чем больше оттенков используется – тем эффектнее панно. Плитку можно окрашивать: поверхность очищается от глянцевого слоя при помощи абразива, к примеру, наждачной бумаги, а затем покрывается краской для керамики или стекла. Не забудьте о слое защитного лака.
4. Необычный и долговечный декор для сада
3925073_1gl6 (700x490, 235Kb)
Цветы в горшке, декорированном плиткой, выглядят еще красивее.
Даже грубоватые клумбы для цветов, старые горшки и ведра преображаются после декорирования остатками керамической плитки. Садовая дорожка, выложенная кафелем, станет изюминкой приусадебного участка. Но в таком случае рекомендуем использовать напольную плитку с матовой поверхностью. Иначе дорожка будет слишком скользкой, особенно во влажную погоду.
Основу для садового декора можно изготовить из цементного раствора.
5. Настенные часы — пусть время идет красиво!
3925073_370165714 (700x681, 291Kb)
Часы с плиточной мозаикой — простой, но функциональный декор.
Для того чтобы сделать своими руками оригинальные часы для кухни, понадобится целая керамическая плитка с красивым рисунком и готовый часовой механизм. Его можно достать из старых часов или купить в магазине, который специализируется на продаже товаров для хэнд-мэйда. В центральной части плитки необходимо проделать отверстие при помощи дрели. В него вставляется часовой механизм, и практичный декор для кухни готов! Циферблат на часах нарисуйте красками для стекла или керамики. Если целой плитки, которая могла бы стать основой для часов, не нашлось – обклейте готовые часы ее фрагментами.
6. Керамический холст — основа для живописной картины
3925073_1280x800_469805_wwwArtFileru (700x437, 299Kb)
Картина из плитки особенно уместной будет на кухне.
Однотонная керамическая плитка становится нестандартной основой для рисунка, заменяя бумагу или холст. Если вы уверены в собственных художественных навыках – творите на одной или нескольких плитках, приклеенных на общую основу, при помощи красок для стекла или керамики. Готовую композицию дополните подходящей по стилю и размеру рамой.
3925073_370168680 (700x417, 290Kb)
Для основы лучше выбрать светлую однотонную плитку.
7. Плитка + бумага = декупаж
3925073_370167631 (700x467, 222Kb)
Декупаж — отличная возможность создать картину, не имея художественных навыков.
Декупаж – это оклеивание специальными картами, салфетками с рисунком или кусочками текстиля определенной поверхности. Это техника декорирования незаменима в тех случаях, когда необходимо создать красивое изображение, но при этом обычное рисование красками и кистью является слишком трудоемким. Поверхность плитки очищается, обезжиривается и покрывается тонким слоем грунтовки – смесью ПВА и акриловой краски. После просыхания плитка окрашивается в нужный цвет, на нее наклеивается бумажный или текстильный мотив. Просохшее изображение покрывается несколькими слоями акрилового лака. Декупаж сделает даже из обычной плитки настоящее произведение искусства! Кафель с подобным декором может использоваться для украшения стен.
8. Нескользкая и красивая лестница
3925073_1432535801_lestnicadekorirovanakeramic (700x525, 262Kb)
Лестница с плиткой становится ярким интерьерным акцентом.
Керамическая плитка отлично сочетается с натуральным деревом, гармонирует с коваными элементами. Лестница, подступенки которой декорированы плиткой, не только выглядит незабываемо, но еще и становится более функциональной. Увеличивается срок ее службы, потому что керамика менее восприимчива к негативным внешним факторам, чем дерево. Такая комбинированная лестница в интерьере выглядит гораздо привлекательнее, чем полностью выложенная плиткой.
9. Холодная подставка под горячее блюдо
3925073_370168921 (700x556, 229Kb)
Для подставки используйте плитку с крупным мотивом.
Понадобится деревянная дощечка, которая есть на кухне у любой хозяйки, и остатки керамической плитки. При помощи клея «жидкие гвозди» фрагменты плитки закрепляются на доске в хаотичном порядке или по выбранному рисунку. Швы заполняются затиркой для кафеля. На доску можно приклеить и целую плитку оригинальной расцветки.

Материалы из блога

Мозаика в декоре садового участка, приусадебного участка и просто позитивное оформление созданное своими руками

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in Архитектура, Без рубрики, Дизайнерские находки, ИСКУССТВО | Posted on 22-02-2016

Метки: , , , ,

Декор загородного участка дело увлекательное и особо актуальное в начале весны. Есть много прекрасных вариантов украсить участок красиво. Среди них замечательный способ — мозаика, а именно декорирование всевозможных ландшафтных элементов таким нехитрым способом.

Благодаря этой идее можно придать индивидуальность и эксклюзивность абсолютно любому предмету или сооружению на участке. Современные дизайне заново возродили этот прием декорирования, вернули ему свежесть и прежнюю привлекательность.

Какие следует подобрать материалы, используя мозаичную композицию для декора участка

Существует множество различных интересных и подходящих материалов для этого занятия. Не только стандартная мозаичная плитка из магазина подойдет. Пригодятся даже самые неожиданные изделия, которые порой остаются без внимания. Как вариант — пластиковые бутылочные крышки или ненужные компьютерные диски.

Но чаще всего используют:

  • ту самую керамическую плитку или ее кусочки
  • абсолютно любой бой посуды из керамики, стекла, фарфора или фаянса
  • цветной песок кварцевый
  • мелкие камушки или гальку
  • цветное стекло оплавленное
  • ракушки и их элементы
  • монеты
  • иной материал желательно небольшого формата, который подойдет для мощения

Также важна сама идея будущего рисунка из мозаики. Тот самый идеальный эффект даст правильное сочетание непосредственно выбранного места для будущей мозаики, фактуры материала плюс изображения.

Где применить мозаику для декора участка

Как доказали на практике дизайнеры, современной мозаике вполне под силу украсить поверхность с любой конфигурацией и кривизной. Не обязательно выбирать ровную стену или поверхность. Красиво смотрятся садовые скульптуры, камни с мозаикой, предметы повседневного быта, садовые дорожки, столики, скамейки, вазоны и многое другое, что душе угодно. Экспериментируйте, а идеи можно почерпнуть из подборки фотографий:

Источники- Alina Mix

Интернет-журнал по ландшафтному дизайну, Главстрой 365- «Мозаика-оригинальное украшение для дачного участка».

,

7 русских архитектурных стилей — Русская семерка /часть первая/

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in Архитектура, ИСКУССТВО | Posted on 15-12-2013

Метки: , , , , , , , , ,

Русский стиль — направление в русской архитектуре XIX века, основанное на использовании форм Византийского искусства и традиций древнерусского зодчества и народного искусства.

Эти стили можно не только назвать «русскими», но и сказать, что они повлияли на международную сцену. Хорошая возможность вспомнить национальную архитектуру, возможно, актуализировать саму школу… ну и избавится от комплекса неудачников в архитектуре.

1. ДЕРЕВЯННОЕ РУССКОЕ ЗОДЧЕСТВО.


Появление христианства на Руси в X веке укрепило связи с Византийской империей и оказало большое влияние на древнерусское искусство. Первые русские храмы строили по византийским канонам. Все постройки на Руси строились поначалу из дерева и обладали самобытностью. Только позднее, в XVI веке, стали использовать камень, но каменные дома были схожи по форме и конструкции с деревянными.

Несмотря на строгие традиции внутреннего убранства, фасад русского терема не имел чёткой организации, зато снаружи дома богато украшали. Архитектурные детали поражали пестротой: позолота и инкрустация, использование национальных орнаментов в карнизах, колоннах и фризах. Кровли и купола крыли золотом, серебром или красили яркими красками. В этот период русские зодчие овладели приёмами мастерства, которые давали возможность возводить сложные постройки высокого художественного уровня.


Сейчас уже никто не скажет, откуда взялось это зодчество: шатровые церкви, похожие на космические ракеты; избы-дворы размером с полпятиэтажки; серебристая осиновая «чешуя»- лемех на крышах и главках. Что-то, конечно, выковал суровый северный климат – хоть те же дома-дворы, где все, от жилья до хлева, убирали под одну крышу для защиты от снегов и морозов. Что-то, наверное, позаимствовали в незапамятные времена у соседей: клетские церкви отдалённо напоминают варяжские ставкирки, а изобретение шатра пытаются оспорить татары. Как бы то ни было, всем этим типам построек более тысячи лет, и например первая София Новгородская, срубленная в год Крещения Руси, была шатровым храмом. Порожденные той землей, где стоят, её природой и историей, эти постройки столь же естественны, как окрестные рощи, холмы и реки.

/Храм -Первая София Новгородская-освящение ее состоялось в 1052 году. /

Погост и музей Кижи в Карелии – самая совершенная (Преображенская) и самая старая уцелевшая (Воскрешения Лазаря) деревянные церкви в России.
Кимжа и другие сёла реки Мезени – самая цельная и подлинная деревянная Русь.
Малые Корелы близ Архангельска – самый большой русский музей деревянного зодчества.
Часовни Кенозерского национального парка – заповедник деревянной старины.
Сретенско-Михайловская церковь на месте исчезнувшего села Красная Ляга – самое зачарованное место.
Варзуга и другие сёла Терского берега в Мурманской области – самые северные старые русские сёла.
Невский лесопарк под Петербургом – воссозданная церковь Вытегорского погоста, самая большая и сложная из уцелевших до ХХ века, но сгоревшая в 1960-е годы.

Одним самым примечательным памятником русскому зодчеству остается церковь Серафима Вырицкого в поселке Вырица Гатчинского района. Церковь построена без единого гвоздя, но многие столетия радует своей красотой.

/часовня церкви Серафима Вырицкого/

2. МОСКОВСКОЕ БАРОККО И УЗОРОЧЬЕ



/Время: XVII-XVIII века. Место: Средняя Россия, Русский Север и Поволжье/
Услышав словосочетание «русская церковь», чаще всего представляешь себе образцы именно этого стиля. Эти ни то пряничные, ни то игрушечные церквушки с пышными формами, непременной бело-красным расцветкой, фейерверком кокошников над крышей, разноцветными главками и вычурными крестами. В Москве и окрестных городах в середине XVII века этот стиль пришёл на смену суровой, холодной византийской архитектуре, господствовавшей со времён Древней Руси. Более раннее узорочье отождествляют с маньеризмом, но провести границу между ним и собственно московским барокко не так-то просто – один стиль плавно вырос из другого. У их истоков стояли купцы. Они ходили торговать в Европу и видели там новые веяния… но создали нечто совершенное иное. Скорее всего, им просто захотелось новизны.

Семь ярких примеров.



Церковь Троицы в Никитниках (Москва) – самый первый образец стиля.

Успенский собор в Рязанском кремле – самый внушительный в размерах образец стиля.

Теремной дворец в Московском кремле – самый большой узорочный дворец.
Высоко-Петровский монастырь в Москве – самый целостный ансамбль русского барокко.


Церковь Иоанна Предтечи в Ярославле – самый причудливый образец стиля, и к тому же она изображена на купюре в 1000 рублей.

Петропавловский собор в Казани – самый совершенный образец стиля.


Троицкий собор и другие церкви в Соликамске (Пермский край) – лучший ансамбль этого стиля вдали от Москвы.

Продолжение следует….

Храм построенный без единого гвоздя. Тончайшие мраморные кружева со сложным трёхмерным узором

14

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in Архитектура, Без рубрики, ИСКУССТВО, С мира по нитке | Posted on 06-08-2013

Метки: , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Удивительные по красоте  Индуистские Храмы.
Самым примечательным храмом является, безусловно, храм Шри Сваминараян Мандир, который был построен в 2007 году в Торонто (Канада).
Основными материалами для строительства стали индийский гранит и песчаник, а также известняк из Турции и мрамор из Италии. Все элементы храма, в том числе и изысканное каменное кружево, вырезались в Индии, а затем здание было собрано без использования гвоздей. Части его подогнаны столь искусно, что прочно держатся на своем месте.

[youtube]wnugZ5Bu0dI[/youtube]

Название храма «Мандир» можно перевести как «место для медитации — он является одним из семи чудес современного индийского зодчества.

Мандир в Торонто был построен в 2007 году за 18 месяцев. Здание построено в соответсвии с законами строительства древней Индии и уникально в том, что не истользовано ни одной !!! металлической детали(в том числе в фундаменте). Оно состоит из 2415 частей, которые были выточены 1800 мастерами в Индии и перевезены в 305 контейнерах в Торонто. Стоимость храма составила 40 миллионов долларов, которые были собраны из пожертвований.


Храм принадлежит духовной организации Bochasanwasi Shri Akshar

Purushottam Swaminarayan Sanstha (BAPS), созданной в конце 18 века и

ставшей популярной в начале 20 века.



Огромное многокупольное здание держится за счет хитроумной конструкции всех частей.
Сотни мастеров в Индии вырезали из камня детали и кружева для храма, чтобы потом, за рекордные 18 месяцев, этот шедевр экзотической архитектуры был собран в Торонто, как огромный пазл, без единого гвоздя. Огромное здание, со множеством куполов, держится за счет хитроумной конструкции всех частей. Его можно смело включить в список «Семь чудес Торонто». На территории храма стоит два строения : первое -это собственно сам каменный Мандир

и второе — отделанный деревом тика Хавели. Слово Хавели означает королевский, и такой стиль архитектуры был популярен в 17 веке.

Привлекает внимание множество куполов, украшающих здание, которое уже с момента своей постройки было признано одной из главных достопримечательностей Торонто.

Торжественное открытие происходило при огромном стечении народа в 2007 году и было ознаменовано присутствием первых лиц канадского правительства и высокими гостями и гуру из Индии.


Поразительное зрелище в этом храме – верхний зал для медитации. Пространство дробится многочисленными колоннами, отражающимися в зеркально-отполированном полу, потолок украшен тончайшими мраморными кружевами со сложными трёхмерными узорами, постаменты с фигурами индийских божеств подсвечены незаметными светильниками и образуют бесконечные галереи.




Основное строение храма выполнено из камня, но есть и другое строение, для отделки которого использовано дерево тика. Обработка дерева велась в стиле «хавели», что в переводе означает «королевский». Такой стиль пользуется в Индии популярностью уже на протяжении нескольких сотен лет.











































Принципы, на которых основано индийское учение , очень просты и понятны людям во всем мире. Это отказ от курения, алкоголя и мяса, поддержание гармоничных отношений в семье, соблюдение чистоты души и тела.

На специальных постаментах находятся искусно подсвеченные фигурки индийских божеств . Храм является воплощением радости, доброты и любви. Полюбоваться им приходят и горожане, и гости города.


/Оставьте ваш комментарий. Какое впечатление осталось от архитектуры Храма.
Расскажите, какое из творений зодчества произвело на вас впечатление и запомнилось в ваших путешествиях по миру и конечно по России. /Место — город,страна, Здание /храм, часовня, офисное здание,театр и т д / . Черкните пару слов. /

Христианская святыня — Собор Святой Софии в Стамбуле

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in Архитектура, ИСКУССТВО | Posted on 19-07-2013

Метки: , , , , ,

Собо́р Свято́й Софи́и — Прему́дрости Бо́жией Святая София Константинопольская, Ая-Софья — бывший патриарший православный собор, впоследствии — мечеть, ныне — музей; всемирно известный памятник византийского зодчества, символ «золотого века» Византии. Официальное название памятника на сегодняшний день Музей Ая-Софья.

Во времена Византийской империи собор находился в центре Константинополя рядом с императорским дворцом. В настоящее время находится в историческом центре Стамбула, район Султанахмет.
После захвата города османами Софийский собор был обращён в мечеть, а в 1935 году он приобрёл статус музея. В 1985 году Софийский собор в числе других памятников исторического центра Стамбула был включён в состав Всемирного наследия ЮНЕСКО.
Софийский Собор

Голубая мечеть

Святая София (Ayasofya) и Голубая Мечеть (Sultanahmet Camii). Более 400 лет эти два великих памятника двух мировых религий смотрят друг на друга, соревнуясь в величии и красоте. Два символа современного Стамбула, при виде которых захватывает дух. Одни из самых грандиозных построек за всю историю христианства и ислама, создатели которых пытались превзойти уже существующие культовые сооружения.
Император Юстиниан после окончания строительства собора Святой Софии воcкликнул: «Я превзошел тебя, Соломон!», имея в виду Иерусалимский храм.



Собор Святой Софии оставался самым большим храмом христианского мира более тысячи лет вплоть до постройки Собора Святого Петра в Риме.
Грандиозность собора Святой Софии поражает воображение.




Голубые мечети — Легенды Восточной и Византийской архитектуры

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in Архитектура, Дизайнерские находки, ИСКУССТВО, С мира по нитке | Posted on 19-07-2013

Метки: , , , , , , , , , , , , , , , ,

Неповторимая красота и гармония. Архитектура наполненная всеми красками восточного орнамента сохраненная на века. Сколько в них радости и грусти одновременно.
Самые красивые Мечети мира
[youtube]Vk42icoMduQ[/youtube]
Белая мечеть
[youtube]uJA6UwXgWNU[/youtube]
Мечеть Султанахмет -Голубая Мечеть в Стамбуле. Смесь византийской и исламской архитектуры. одна из самых красивых мечетей Стамбула.

Мечеть насчитывает шесть минаретов: четыре, как обычно, по сторонам, а два чуть менее высоких — на внешних углах. Она считается одним из величайших шедевров исламской и мировой архитектуры.
Мечеть расположена на берегу Мраморного моря в историческом центре Стамбула в районе Султанахмет напротив музея Ая-София. Мечеть является одним из символов города.
Построена — 1609—1616 годы
-Действующий храм.
[youtube]2UoKMUJQwsM[/youtube]
Архитектура мечети сочетает в себя два стиля — классический османский и византийский. По легенде султан приказал построить стандартное количество (4) золотых (алтын) минарета, но архитектор что-то напутал и построил шесть (алты) минаретов. Строительство мечети длилось семь лет и было завершено в 1616 году, за год до смерти султана. Для строительства мечети был использован камень и мрамор.

Название «Голубая мечеть» мечеть получила благодаря огромному количеству (более 20 тыс.) белых и голубых изникских керамических изразцов ручной работы, которые использовались в декорациях интерьера. Керамика доставлялась из изникских фабрик, которые славились своим качеством.
В узорах мечети преобладают растительные мотивы — традиционные тюльпаны, лилии, гвоздики и розы, а также орнаменты различных цветов на белом фоне. Кроме того, было подсчитано, что для узоров керамических плиток было использовано более 50 вариации изображения тюльпанов. Пол мечети выложен коврами.
Внутри мечеть хорошо освещена — свет падает из 260 окон.

Один из памятников архитектуры Голубая мечеть в Мазари-Шариф, четвертм по величине городе Афганистана и столица афганской провинции Балх…
Мазари-Шариф — «Священная гробница», где, по преданию, находится могила Али ибн Абу Талиба, двоюродного брата и зятя пророка Мухаммеда, четвёртого праведного халифа.

В 661 году, как гласит легенда, Али был убит. Его сыновья, опасаясь, что тело их отца будет осквернено, тайно захоронили его, а позже, решив перепрятать останки, погрузили тело на верблюда и отправились на восток… Путь был долгий и изнурительный… В конце концов, верблюд пал. В этом месте и похоронили халифа Али.


Правда это или только легенда — неизвестно. Впрочем, большинство шиитов считает, что могила их лидера находится в Ираке, в Эн-Наджафе. И в тоже время, некоторые хроники утверждают, что именно в Мазар-Шарифе был построен временный мавзолей над местом упокоения Али. Однако в начале XIII века он был стерт с лица земли войсками Чингисхана.


Спустя же века в нескольких километрах от Балха паломниками была якобы найдена могила праведного халифа. И следующие 150 лет на этом месте возводился, расширялся, а затем и перестраивался комплекс зданий, состоящий из мечети, медресе, караван-сарая и прочих построек.

Восстановительные работы были продолжены и в наше время — практически все оформление мечети — это дело рук современных мастеров.


А вот одно из надгробий — мраморная плита с надписью «Али, Лев Бога» — сохранилось еще от ранней постройки.

В 1998 году Голубая мечеть была закрыта для посещения талибами, которые имели свои представления о чистоте ислама и выступали против «идолопоклонничества».

После же взятия Мазари-Шарифа войсками Северного Альянса, мечеть вновь открыта для паломников.

Волшебное макраме в иконах Владимира Денщикова

2

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 28-03-2013

Метки: , , ,

Владимир Анатольевич Денщиков — Народный артист Украины, режиссер, художник-постановщик, артист Крымского академического русского драматического театра имени М. Горького. Более 30 лет он занимается макраме. Начинал с колье, кулонов, сумочек. Сегодня в его творческом багаже выполненные на высочайшем художественном уровне объемные иконные ризы и картины.Для создания икон Владимир Анатольевич использует уникальную авторскую технику макраме-коллаж, не имеющую аналогов в мире. Лики и руки святых прописываются, а ризы и оклады выполняются из нетипичного для этого искусства материала – льняной нити толщиной 0,5-2 мм. Каждая из работ мастера насчитывает миллионы узелков, завязанных вручную, без применения каких бы то ни было технических средств.
Все работы существуют в единственном экземпляре: ни одно из произведений не повторяется благодаря использованию в них нескольких видов рукотворной ткани, техника изготовления которой запатентована автором. «Из рукотворной ткани я делаю одежду святых. – рассказывает Владимир Анатольевич.Берется полумиллиметровая льняная нитка и складывается одна к одной. Все это фиксируется и получается ткань, которую я увлажняю и формирую из нее складки, фалды одеяний. При этом надо работать очень быстро и точно, поскольку поверхность из сложенных одна к одной ниточек может мгновенно разползтись»
В иконах, созданных руками В. Денщикова, нет золота и самоцветов, бархата и жемчуга – художник избрал другой, «льняной» способ выразить духовное содержание священных образов. Лен, согретый солнцем и вспоенный землей, дышит и живет, как дышит и живет каждый узелок в полотне оклада. Погружаясь в безмерное сияющее пространство иконы, зритель испытывает чувство просветленности, стремление стать чище и лучше, подарить этот свет доброты и милосердия другим людям. Сделанные из простой серой нити, они точно выражают идею православия, считает автор, просто и натурально.

Michael Mobius современный реализм (Эротика в портретах)

2

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 11-01-2013

Метки: , , , , , , , , , ,

Замечательный художник Michael Mobius в основном рисует женщин. Стиль его творчества весьма схож по технике со стилями таких известных художников, как: Луис Ройо или Армандо Хуэрта. Изящные и элегантные красавицы в исполнении художника-реалиста, гиперреалиста становятся сказочными феями, которые окружены вездесущими искрами и блестящими вещами.

Биография:

Жан Жиро родился 8 мая 1938 года в Ножан-сюр-Марне — восточном пригороде Парижа. Когда закончилась Вторая Мировая война, Жану впервые попал в руки комикс — это был альбом «Камилла» сценариста и художника Хербоно о приключениях трех друзей.

В 1954 году Жиро поступил в «Академию Прикладных Искусств» в Париже. В 1955 году новоиспеченный художник сел на самолет и улетел в Мексику, где провел целых восемь месяцев. Он вернулся в Париж уже другим — любимые им «вестерны» и увиденные своими глазами просторы страны, где сюжеты многих из них разворачивались, покорили его воображение. Тогда-то он и начал сотрудничать с журналами «Far West» и «Coeurs vaillants» и оформлять «Энциклопедию истории цивилизации» для издательства «Насhett». Академию Жиро бросил после второго курса, так как осознал, что путь традиционного художника больше не привлекает его.

Известность к Жану Жиро пришла с выходом серии «Блуберри» (издается с 1963 года, последний выпуск за авторством Жиро, как художника, так и сценариста вышел в 2005 году). Где-то к началу 70-х, видимо, ощутив, что творчество требует качественного скачка, Жиро обращается к научно-фантастической литературе, которая вслед за кино переживала в те годы свою «новую волну». Началась она с номера британского журнала фантастики «New Worlds» за май-июнь 1964 года, главным редактором которого был знаменитый писатель-фантаст, поэт и музыкант Майкл Муркок. С этого времени Жиро пользуется псевдонимом Мёбиус.

Выдающийся комиксный график и сценарист, художник фильмов и анимационных лент умер 10 марта, в возрасте 74 лет после продолжительной болезни.

Его талант был почитаем не только среди коллег по комиксному цеху. Джордж Лукас вдохновлялся образами из комиксов Жиро, задумывая «Звездные войны». Мебиус также был другом японского аниматора Хаяо Миядзаки, и даже назвал свою дочь Навсикаей в честь героини одного из его мультфильмов.
Художник, которого прозвали «Рембо комиксов» (в честь французского поэта-бунтаря Артюра Рембо), выбрал своим псевдонимом фамилию немецкого математика, создателя ленты Мебиуса (частый атрибут научно-фантастической литературы, как символ бесконечности Вселенной). Жиро-Мебиус первым стал рисовать сюрреалистические комиксы, лишенные сценария, подобно циклу графических романов «Арзак» (в 2003 году по нему вышел мультсериал «Арзак», созданный самим Жиро).
Read the rest of this entry »

Artistic Worlds of Fantasy by Ilene Meyer — Миры фантазии Илен Мейер

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 10-03-2012

Метки: , , , , , ,

Художник Ilene Meyer родилась в Сиэтле, штат Вашингтон, в 1940 году.
После самостоятельного изучения живописи она начала с иллюстраций к научной
фантастике, а в середине 80’х стала экспериментировать в области фэнтези и сюрреализма,
разработав свой собственный уникальный стиль, который назвала «Meyerworld».

Произведения Илен Мейер восхищают потрясающей цветопередачей, они исполнены казалось бы безграничной, но одновременно «правильно» организованной фантазией. Все работы написаны на высочайшем техническом уровне. И в то же время — это именно живопись, а не тупое стремление переплюнуть достижения современной фотографии. Read the rest of this entry »

Певец красоты белокурой славянки

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 27-02-2012

Метки: , , , , , , , , , , ,

Альфонс Муха

Образ его постоянной героини – очаровательной златокудрой славянки – стал узнаваем всегда и всеми. Даже в домах бедняков, на этикетках чая и дешевых конфет. Но сам Муха не ценил, не принимал этого всерьез. Считал лишь подступом к главной своей мечте – служить родине и славянам вообще. «В то время, когда у меня стол ломится от еды, – с горечью писал он отцу, – мой народ голодает, страдает…» И позже опять в письме к отцу: «…я не декоративный художник… На прилагаемом листке Вы видите, каковы мои будущие темы. Можно назвать это поэтизацией истории (как Вам угодно), но это не декоративная живопись. Хотя бедные тоже имеют право на красоту…»

ВЕСНА

ЛЕТО

ОСЕНЬ

ЗИМА

Страницы жизни и галерея Read the rest of this entry »

Люди и птицы

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 18-02-2012

Метки: , ,

ЛЮДИ И ПТИЦЫ
Масло.Холст.

Год:
2010
Художник:

Янин Александр Эдуардович
1958

**


ЯНИН АЛЕКСАНДР ЭДУАРДОВИЧ

Родился в 1958 году в г. Артём Приморского края. В 1981 году окончил Северо-Осетинское художественное училище. Член СХ РФ с 2005 года. С 1998 г. участник всех республиканских выставок СХ КБР, в 2003 – региональной «Юг России», 2004 г. – в филиале «Музея Востока» в Майкопе в экспозиции «Искусство Кабардино-Балкарии».

Персональные выставки-

Стамбул – 2004.2005 гг.

Ростов- на-Дону – 2009 г.

Янин художник с незаурядным дарованием. В живописи и графике он создал произведения, передающие в острой гротескной форме его ироническое, порой переходящее в сарказм восприятие мира. Сюжеты его работ строятся как театральное действо, в нём принимают участие литературные и сказочные персонажи, библейские герои и наши современники – горожане, с которыми автор общается каждый день. В этом своеобразном карнавале происходят самые неожиданные превращения, метаморфозы и перевоплощения. Автор, как режиссёр, разыгрывает интригу, в которую вовлекает зрителя, превращая его в соучастника события.

Ювелирный рисунок, изысканный колорит, оригинальные композиционные решения вызывают потребность долго рассматривать его работы, постигая смысл и подтексты его сюжетов. И этот процесс созерцания доставляет утончённое визуальное эмоциональное и интеллектуальное наслаждение.

Н. Г. Леонтьева

Другие работы автора: можно посмотреть галерею работ на сайте Союза художников

по ссылке

либо нажать в правой колонке в теме «Дружеские сайты»
Союз художников России
Кабардино-Балкарское республиканское отделение

Антонио Гауди – гений или сумасшедший?

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 09-02-2012

Метки: , , , ,

Антонио Пласид Гильем Гауди-и-Корнет родился 25 июня 1852 года в небольшом городке Реус в Каталонии. Рыжий и голубоглазый, словно специально отмеченный Богом, он не походил на типичного испанца. Да, в общем-то, он им и не являлся. Как каталонец, он был испанцем и неиспанцем одновременно. Даже фамилию его принято произносить с ударением на последнюю букву, как делается во Франции.

Юный Антонио рос слабым и болезненным мальчиком. Подвижные игры не привлекали будущего архитектора, и он развлекался иначе — мог часами наблюдать, как медленно текут по небу облака, как струится ручей, пытался понять, как листья образуют крону, почему у камней такие разные формы. Антонио истово верил в Бога, которого благодарил за каждую минуту своей жизни — ведь в глубоком детстве он случайно услышал, как врач говорил его маме, что малыш «не жилец», и Гауди поклялся сделать что-то великое, чтобы заслужить у Создателя право оставаться на этой земле. С тех пор он искал свой путь, свое предназначение, и, наблюдая, как муравьи деловито снуют вокруг своего жилища, он понял, что хочет быть архитектором, ведь что может быть лучше, чем придумывать новые здания!
Предупредим читателя заранее, что это у Антонио получилось, да еще как! Однако смелые и экстравагантные идеи молодого архитектора не пришлись по душе муниципальным властям, заказавшим его первое здание. Мало того, что оно имело вызывающе странный вид, но еще и смета оказалась просто огромной. Гауди никогда не пытался сэкономить, проектируя новое здание. Чертежей вольнодумец не делал, строя по наитию и полагаясь на природное чувство гармонии. Такое отношение к работе и ее необычные результаты привлекли других клиентов — местную буржуазию, обеспеченную и следящую за модой часть населения. Большинству из них хотелось поразить воображение соседей своим жилищем, работы Гауди подходили для этого как нельзя лучше. Именно частные дома, созданные им, сейчас являются главными достопримечательностями Барселоны.
Судьба улыбнулась Гауди, и нашелся человек, способный оплатить необъятные расходы на постройку его шедевров — граф Эусебио Гуэль. Будучи крупным промышленником и весьма состоятельным человеком, Гуэль обожал современное искусство и много путешествовал по Европе. Не жалея ни копейки, Гуэль предоставил Гауди полную свободу творчества — и архитектор отпустил свою фантазию на волю.
Гауди строил шедевры один за другим, каждый раз придумывая что-нибудь новенькое, никогда не повторяясь. Архитектор не ограничивался зданиями, создавая все, что могло прийти ему в голову — от шкатулок и уличных фонарей до фонтанов и скамеек. Это его умение пригодилось, когда Гуэль предложил ему смелый проект — парк, в котором будет место для прогулок, и элитные постройки для местной аристократии. Для этого он приобрел огромную гору на окраине города, на которой со временем был разбит великолепный парк — красивейшее творение мастера. Однако, хотя невероятно красивый проект и был безупречно выполнен, в парке из 60 участков было продано лишь 2 — и то на одном из них поселился сам Гауди. Даже сейчас, при наличии двух эскалаторов, приходится долго взбираться на эту гору, а тогда было полным безумием — поселиться так высоко. Но Гауди упрямо продолжал взбираться по бесконечным ступенькам, да еще и носил в карманах куриные яйца — обожаемый им символ идеальной природной формы. Правда, раз поскользнувшись, он бросил эту странную затею.
Шли годы, и Гауди становился все более чудаковатым. Он с головой уходил в каждый проект, забывая о комфорте. Архитектор питался фруктами и хлебом с молоком, а одевался так плохо, что горожане принимали его за нищего. Он был одинок, и хотя в молодости пережил несколько увлечений, архитектура не оставила в его сердце места для женщины.
7 июня 1926 года в Барселоне под колеса трамвая попал какой-то нищий. Его отвезли в городскую больницу, в карманах бродяги кроме молитвенника и четок ничего не было, и когда, не приходя в сознание, он умер, было решено похоронить старика в общей могиле. Каково же было удивление врачей, когда проходящая мимо по коридору женщина вдруг воскликнула: «Это же Гауди!» Потом было пышное всенародное прощание с великим зодчим, толпы народа стекались со всей Каталонии.Антонио Гауди был похоронен в крипте своего любимого детища, недостроенного Собора Святого Семейства.

Это все у нас на словах, но давайте просто наслаждаться, хотя бы на фотографиях)

Casa Vicens — одно из первых творений.

Casa Batlo — «Дом костей», уже страшно.
Read the rest of this entry »

Художник Zeng Hao / Эпоха возрождения/

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 21-01-2012

Метки: , , , , , , , , , , ,

Чудесная красота Востока.

В пещерах древнего буддистского монастыря Дуньхуан в Китае находятся уникальные фрески и статуи первых веков нашей эры. «Когда я впервые вошел в таинственный мир Дуньхуан, — пишет китайский художник Zeng Hao (Цзэнхао), — сказочные картины и скульптуры словно открыли мне глаза. Блеск и глубина искусства Дуньхуана потрясли меня. Я посещал эту святую землю буддизма позже много раз, как паломник, чтобы видеть и учиться, преисполненный решимости открыть величие искусства Дуньхуана для всего мира»

Художник почувствовал, что глубокий религиозно-мифологический дух скульптур и фресок Дуньхуана вполне соответствует эстетическому вкусу современных людей и что можно воспроизвести в картинах маслом в романтическом стиле. Он встретился с классикой с ее будистско-китайской спецификой, как художники европейского Ренессанса с античной, а классика всегда современна.

Художник не стал исходить из образов прошлого, а из моделей своего времени, начала XXI века, в полном соответствии с эстетикой Ренессанса, но с идеями и аксессуарами двух тысячелетий. Он создал свою Богиню (или сонм богинь), вместо Будды, как в искусстве Дуньхуана Будда постепенно приобретал женственность, пока не превратился в эпоху Тан и после в прекрасную юную женщину, танцовщицу и певицу.

Это опять в полном соответствии с эстетикой и философией Ренессанса как в странах Европы, так и Китая. Только у китайского художника вышла не Мадонна (портрет молодой женщины времени художника), а Богиня, которая живет в мире песнопений и танца. А на сегодня – как модель, певица или актриса в одеяниях и украшениях прошедших тысячелетий. Это идеальный образ женской красоты, благородства и доброты человеческой природы, что взлелеял художник в своей душе.

«В образе богини Дуньхуан, — говорит Цзэнхао, — я объединил черты женщин Запада с моих же картин с обликом Дуньхуан вдоль Шелкового пути между Восточной и Западной частями мира. Я сплавил черты классической красоты и современной красоты в образе Богини, что есть не только предмет религии и веры, а романтический образ мира, спокойствия, Рая, что я ощущаю в своем сердце, живя в современной, вполне материальной действительности».

Костюмы и украшения на Дуньхуан в фресках великолепны, но современному художнику, который к тому же пишет маслом, пришлось создать свои шаблоны, выступить в качестве модельера и ювелира, чтобы достичь соответствующего впечатления у современного зрителя.

«Дуньхуан — это культура, — говорит художник, — в которой традиции и творческие идеи сосуществуют изначально. Я понял это и интерпретировал дух Дуньхуан с точки зрения нашего времени и выразил миросозерцание буддизма под новым углом зрения. Мои картины более оригинальны и гуманизированы, сплетаясь с прелестями современных женщин. Они выражают не только идеальный образ реального мира, но и ретроспективно связаны с древней традиционной культурой.

Я могу с гордостью сказать, что Дуньхуан Богиня создана мною, это реальная богиня в моем сердце. Она также является душой чистой истины, добра и красоты».

Немного биографии художника.

Родившись в городе Zigong провинции Сычуань, Цзэн Хао проявил огромный интерес к живописи под влиянием своего отца художника. Хотя финансовые условия его семьи были плохи в то время и Цзэн Хао столкнулся с многочисленными трудностями в своей дальнейшей жизни, он никогда не сдается, его мужество и решимость привели в Сычуань, где он окончил художественное училище. В настоящее время много молодых китайских художников участвуют в различных фракциях современного искусства. Zenghao, с его привязанностью к родной культуре, сам себе выбрал классическое искусство, художественный стиль которого не очень моден, но сохраняется в течение длительного времени.

Цзэн Хао отправился в Дуньхуан первый раз в начале 1990-х годов. Он был совершенно потрясен великолепием и глубиной искусства в пещере Могао и побывал там много раз потом, как паломник из Дуньхуана. Искусства Дуньхуана были разработаны в различных стилях в течение тысячи лет, чем Цзэн Хао воспользовался для изучения традиционной китайской живописи в его более раннем возрасте.. Цзэн Хао также испытал на себе глубокое влияние великих художников европейского Ренессанса, особенно французского художника Гюстава Доре как иллюстратора Библии.

Искусства Дуньхуана — это искусство создания божества в одном сердце и образ божества исходит от нормальных людей в нашей жизни. Цзэн Хао также очень хорошо сознает значение изображения глаза в его картинах. Он наблюдает и зарисовывает самые красивые выражения глаз, какие он видел в жизни, и выражает их ярко в его картинах, что делает богинь художника словно выхваченными из жизни современной. Мы узнаем его модели во всей их красоте и юности, что уже отдает гламуром. Классика из глубин тысячелетий и современность в ее сиюминутных изысках и пластике смыкаются. Похоже, Китай вступает в один из периодов эпохи Возрождения, кои проступали неоднократно в его истории.
/автор статьи -Петр Киле/

Выставка классика итальянской фотографии Элио Чиола «Очарование реальностью»

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 04-11-2011

Метки: , , , ,

Выставка классика итальянской фотографии Элио Чиола «Очарование реальностью»

Организатор: Галерея классической фотографии при поддержке Посольства Италии и Итальянского Института Культуры в Москве

Cо 2 декабря 2011 по 24 января 2012 в Галерее классической фотографии пройдет ретроспективная выставка классика итальянской фотографии Элио Чиола «Очарование реальностью». В экспозиции будут представлены более 150 самых значимых работ мастера, большая часть которых впервые выставляется в России.

Элио Чиол – один из патриархов фотоискусства, его работы своеобразный гимн Италии и итальянцам. Более шестидесяти лет он снимает одни и те же места и по-прежнему верен черно-белой пленке. «Представленный в работах Чиола окружающий мир – это, прежде всего, воплощение красоты и гармонии. Будь то родная земля или населяющие ее люди, величественная архитектура или причудливые ландшафты, для Чиола это все точка отсчета и точка возвращения одновременно. Яркие образы послевоенной Италии, играющие дети, спешащие на мессу монахи, соборы и здания в его фотографиях постепенно перерождаются во всеобъемлющий образ Матери-земли, перемежающей пашню с виноградниками и рощами олив, и олицетворяющей многообразием форм всю полноту бытия», – комментирует один из кураторов выставки Марк Коберт.

Съемки в сердце францисканского богопочитания – города Ассизи сочетают выразительные портреты и жанровые сцены, а в геометрических построениях пейзажей Перуджи, человек если и присутствует, то лишь для ощущения масштаба окружающего пейзажа. Изображения естественного ландшафта и древних построек представляют мир в равновесии и демонстрируют уважение к прошлому. Известный американский критик Наоми Розенблюм так отзывалась о его творчестве: «Особая позиция, с которой фотограф видит ландшафт, его регуляция света и ритма формы, выбор черно-белой фотографии в то время, когда многие предпочитают цвет, – вот те элементы, которые передают чувство спокойствия и красоты в его работах».

За 65 лет фотографической карьеры Элио Чиол провел более 100 персональных и участвовал еще в 120 групповых выставках. Его фотографиями проиллюстрировано более 200 книг. Работы Элио Чиола представлены в собраниях Музея Метрополитен в Нью-Йорке, Международного музея фотографии в Рочестере, Музее Виктории и Альберта, Институте Искусств Чикаго, Художественного музея Принстонского университета и десятках других по всему миру.

Выставка входит в официальный план мероприятий и завершает Год итальянской культуры в России. Открытие выставки посетят сам мэтр Элио Чиол и Посол Италии в России г-н Антонио Дзанарди Ланди.

Адрес Галереи Классической Фотографии: Москва, Саввинская набережная, д.23, к.1
Время работы выставки: 2 декабря 2011 – 24 января 2012 с 12:00 до 21:00 (понедельник, вторник – выходные дни).

Элио Чиол

Элио Чиол родился в 1929 году в городе Казарса Делла Делиция (Италия), где он живет и работает и по сей день. Он был членом Общества кино города Удине и Венецианского клуба фотографов «Ля Гондола». Начиная с пятидесятых годов он ведет поиски собственного изобразительного языка в пейзажной фотографии. Эти поиски нашли отражение в ряде альбомов и каталогов к выставкам. Работа его студии в тот же период была посвящена в основном документированию произведений искусства Италии и Европы, в связи с чем Чиол принимал участие в подготовке многочисленных публикаций по истории искусства.

Фотографии Элио Чиола были представлены на 122 персональных и 121 групповых экспозициях в таких выставочных залах, как: Церковь Св.Франциска, Удине, Италия; Палаццо дель Монте ди Пиета, Падуя, Италия; галерея Коэн Амадор, Нью-Йорк; Культурный центр Кандиани, Местре, Италия; Вилла Манин, Удине, Италия; Образовательный центр Пьера Паоло Пазолини, Казарса, Италия; церковь Св.Франциска, Порденоне, Италия; Художественный музей Метрополитан, Нью-Йорк; Международный музей фотографии, Рочестер, штат Нью-Йорк; Центр творческой фотографии, Тусон, штат Аризона; Центр изучения гуманитарных наук, Университет Техаса, Остин; Музей искусств Принстонского университета, Нью-Джерси; Канадский центр архитектуры, Монреаль; Институт искусств Чикаго; Университетский колледж Уэльса, Абериствит; Музей Виктории и Альберта, Лондон; Музей фотографии, Шарльруа, Бельгия; Городские музеи и галерея истории и искусства, Удине, Италия; Галерея современного искусства Про Чивитате Кристиана, Ассизи, Италия; Музео Диочезано и Галереи Тьеполо, Удине, Италия; а также во многих частных галереях. Работы Элио Чиола использовались для иллюстрации более двухсот книг.

Музыка и Живопись. Барокко. Два венецианца: Антонио Вивальди и Антонио Каналь

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 01-10-2011

Метки: , , , ,

Антонио Каналь ( Джованни Антонио Каналь (итал. Giovanni Antonio Canal), известный также под именем Канале́тто) родился 7 октября 1697 года в Венеции. Учился живописи у своего отца Бернардо Каналя, театрального художника, помогал ему оформлять спектакли в театрах Венеции.

В 1719 году посетил Рим, где познакомился с творчеством знаменитого ведутиста Джованни Паоло Панини. После этого начал писать свои знаменитые виды Венеции. Первой известной исследователям работой Каналя с авторской подписью является «Архитектурное каприччо» (1723). В отличие от большинства художников того времени Каналетто на раннем этапе своего творчества писал свои виды (ведуты) сразу с натуры, не делая предварительных набросков и эскизов. Впоследствии стал писать в студии, пользуясь камерой-обскурой.Пейзажи того периода отличаются детально точным представлением городского вида. Большое число работ Каналетто были с успехом проданы англичанам, приезжавшим в Венецию для обучения. Многие существующие и воображаемые ведуты Каналетто создает по заказу английских коллекционеров, например серию городских видов для лорда Бедфорда в 1730—1731 годах. В 1740 году этот источник дохода исчез: началась война за австрийское наследство, и британцы стали реже приезжать на континент.

В 1746 году Каналетто едет в Лондон, чтобы быть ближе к каналам сбыта своих картин. В течение девяти лет он живет в Англии, пишет виды местных дворцов и домов. В этот период в его творчестве появляется вторичность, техника перестает нравиться заказчикам. В 1755 году художник возвращается в Венецию.

В 1763 году его избирают в Венецианскую академию художеств.

Каналетто умер 19 апреля 1768 года в родной Венеции.

Антонио Вивальди ( Антонио Лучо Вивальди (итал. Antonio Lucio Vivaldi) — венецианский композитор, скрипач, педагог, дирижёр, католический священник. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века, при жизни получил широкое признание во всей Европе.Родился 4 марта 1678 года в Венеции, являвшейся в ту пору столицей Венецианской республики. Первым учителем Вивальди был его отец, скрипач собора св. Марка. В 1703 Вивальди принял сан священника, с 1704 по 1740 был директором музыки в Оспедале делла Пьета в Венеции – доме призрения сирот, который славился как лучшая в городе музыкальная школа для девочек. В Венеции главной его обязанностью было сочинение музыки, и он сочинял с редкой легкостью и быстротой. В огромном наследии Вивальди – множество опер, а также духовных сочинений. Однако как современники, так и следующие поколения выше всего ставили инструментальные сочинения Вивальди, прежде всего концерты. В 1740 Вивальди уехал из Венеции в Вену, где скончался 28 июля 1741.

МУЗЫКА АНТОНИО ВИВАЛЬДИ И ВЕНЕЦИЯ В РАБОТАХ АНТОНИО КАНАЛЬ

Концерт Ля минор

Allegro

3905753_track_no01

Праздник обручения венецианского дожа с Адриатическим морем.



Larghetto
3905756_track_no02

Концерт Ре мажор

Allegro
3905758_track_no03

Larghetto
3905760_track_no04(2)

Allegro
3905762_track_no05

Концерт Си минор

Allegro
3905763_track_no06

Largo — Larghetto — Largo
3905766_track_no07

Allegro
3905769_track_no08

3905770_track_no09

АНОНС — Российская Неделя Искусств (RUSSIAN ART WEEK)

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 26-09-2011

Приглашаем Вас на X Международную выставку-конкурс современного искусства «РОССИЙСКАЯ НЕДЕЛЯ ИСКУССТВ». Даты проведения: 02-09 ноября 2011 года. Выставочный зал: легендарный Центр современного искусства «М’АРС» (Москва,Пушкарев пер., д.5).

Российская Неделя Искусств включает:
1. Международный конкурс живописи
2. Международный конкурс графики
3. Международный конкурс фотографии
4. Международный конкурс скульптуры
5. Международный конкурс декоративно-прикладного искусства

1

Обратите внимание: Международный конкурс дизайна проводится самостоятельно в рамках Russian Design Week

Программы Российской Недели Искусств (выставка, конкурсные программы, мастер-классы, пленэры) пройдут в легендарном Центре Современного искусства «М’АРС», расположенном в историческом центре Москвы расположенном в историческом центре Москвы (Пушкарёв пер., д.5, ст.метро «Цветной бульвар»)
Даты проведения: с 2 по 9 ноября 2011 года, с 11.00 до 20.00, ежедневно.
Недели Искусств в Миреscroll-sculpture

На основании полученных баллов и решения жюри для победителей Российской Недели Искусств организуются бесплатные выставки в более 15 странах мира.
Только для участников и победителей Российской Недели Искусств!
В 2010-2011 годах выставки лауреатов и призеров Российской Недели Искусств прошли в Германии (www.germanartweek.com), Дании (www.danishartweek.com), Испании (www.artweek.es), Словакии (www.artweek.sk), Черногории (www.artweek.me), Италии (www.artweek.it), Болгарии (www.bulgarianartweek.com), Литве (www.artweek.lt), Франции (www.artweek.fr), Турции (www.turkishartweek.com) и ряде других стран.
Подробнее о Неделях Искусств в зарубежных странах можно анйти в разделе «Art Weeks in Word».

Призы и награды
Российская Неделя Искусств проводится при поддержке ряда профессиональных союзов. Среди них Московский Собюз Художников, Московская областная общественная организация «Союз художников» Союза Художников России», Союз «Творчество», Союз фотохудожников России и другие.

7

Загадочные миры цифрового художника Франка Млеча (Frank Melech)

2

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 24-09-2011

Метки: , , , , , ,

Самым пожалуй загадочным сейчас явлением в искусстве цифрового художника Франка Млеча (Frank Melech), является он сам.

Андрей Макаревич и Франк Млеч — созвучие музыки и картин.
[youtube]DJikXEAuF-k[/youtube]

Картины Франка Млеча (Frank Melech) интересны своей глубиной атмосферой и композицией. В работах автора используются ретушированные фотографии, большое количество монтажа и самостоятельно отрисованные элементы – все вместе эти частицы создают глубоко атмосферные картинки далеких и фантастических миров.
Цифровые произведения Фрэнка Мелех, погружают зрителя в новый и неизвестный мир, но это не вырывает его из своего мира. Он связывает земные мотивы в абсурд, это невозможно, с очевидной точки зрения. Он размывает границы между реальным и нереальным. ОДНАКО Франк Мелех создаёт совершенно новый и беспрецедентный мир. В одном из своих монтажей он использует иногда до тридцати различных элементов записи.

Фрэнк Мелех, в настоящее время имеет много международных наград,он представитель «Фантастической школы фотографии», работает в качестве внештатного дизайнера СМИ в Зуль. Его фотография «наследник» была награждена Trierenberg Super Circuit 2010 в Линце и «Золотой медалью Excellence» его фантастическая «вуаль» выиграла один из желанных призов жюри персонала mebers Arward Аль Тани | Arward для фотографии 2010-ом

ВОЛШЕБНЫЕ КРАСКИ МИРА Джозефины Уолл (Josephine Wall)

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 22-09-2011

Метки: , , , , ,

[youtube]uiBEUBt9Ymg[/youtube]

Популярность картин Жозефины Уолл огромна. Художница помогает смотреть на мир другими глазами, соединяет реальность и иллюзию, пробуждает воображение и вносит в жизнь взрослых людей сказочные фантазии детских снов, которые казались давно забытыми. [youtube]Lg9VUE6rmeU[/youtube]
Она и сама живет в сказке, превратив свой большой дом и окружающий его сад в место, где оживают мифы, а воздух наполнен ароматами цветов. Представляю, как радуются её внуки (их восемь от троих детей), попадая в сказочный мир, созданный любимой бабушкой.Жозефина родилась в мае 1947 года в небольшом английском городке Фарнхэм в семье профессора-филолога. Живопись рано вошла в её жизнь, уже с четырех лет любимым занятием девочки было рисование. Она и теперь любит вспоминать, какой испытала восторг и счастье, когда в детстве ей подарили большую коробку восковых мелков. Родители поддерживали увлечение девочки живописью, которой она рано начала заниматься профессионально. Уже в 16 лет Жозефина продала свою первую картину. Согласитесь, не каждый начинающий художник может похвастаться столь успешным стартом.

Художественное образование Уолл получила в Борнмутском колледже, который окончила в 1967 году. Еще в период учебы она стала выставлять свои работы (в основном это были пейзажи) в местных галереях. Известность пришла к ней, когда она после колледжа занималась дизайном и росписью керамики, а также создавала небольшие скульптурные композиции с мифологическими существами, животными и насекомыми. Первые её работы, появившиеся на выставке в Лондоне в 1968 году, привлекли внимание публики своеобразием пластики и яркостью красок, а ведь это были всего лишь небольшие бабочки и стрекозы.
[youtube]-5nLT51wU2w[/youtube]
Первые работы Жозефины Уолл
Молодая художница попробовала свои силы в дизайне, росписи одежды и обуви, создании красочных витражей и росписи по стеклу. Её работы с успехом экспонировались в Англии, а в 1974 году были представлены на выставках в Токио и Тегеране. В следующем году у Жозефины Уолл в Суиндоне прошла первая персональная выставка. Вскоре выставки стали проходить регулярно, а издательства стали заключать с Жозефиной договоры на репродуцирование её картин и издание альбомов.

К этому времени она, не отказавшись полностью от мелкой пластики и дизайна, стала писать картины, в которых реальность переплеталась с фантазией. Жозефина считает, что поворот её творчества к изображению фантастического мира был вполне закономерен, так как она с детства любила сказки, а затем увлеклась научной фантастикой и произведениями сюрреалистов. Художница любит повторять, что «фантазия дает мне возможность изобразить мир таким, каким я хотела бы его видеть».

У Жозефины давно сложился свой узнаваемый стиль живописи. Пишет она яркими акриловыми красками, предпочитая различные оттенки сиреневых, синих, зеленых и желтых цветов. Практически не использует чистый красный цвет и принципиально не пишет черным, создавая темные оттенки смешением различных цветов, чаще всего жженой умбры с ультрамарином.
Идеи своих картин Жозефина черпает из книг, кинофильмов, наблюдений за природой и собственных фантазий. Она говорит, что идеи буквально носятся в воздухе, посещая её в любое время, главное, успеть их «ухватить». Возникшие идеи художница заносит в ноутбук, который постоянно у неё под рукой, иногда делает небольшие зарисовки. Но эскизы для своих работ не создает практически никогда, предпочитая делать набросок карандашом или краской прямо на холсте, подготовленном для картины. Ей нравится писать «с чистого листа», так как в ходе работы возникают новые интересные детали, а зачастую и сам замысел картины претерпевает существенные изменения.
Уолл говорит, что любит работать не спеша, затрачивая на картину 2-3 недели (100-150 часов) и обычно не начиная новое полотно, пока не сделан последний мазок на предыдущем. При этом она руководствуется не только свободным полетом фантазии, но и скрупулезным изучением того, что собирается написать, особенно, если это сцена из древней мифологии или легенд. В доме, который Жозефина с мужем приобрели на юге Англии в графстве Дорсет, все способствует творчеству. С холма, на котором расположен дом, открывается прекрасный вид на лес, поля и зеленые холмы, долетающий с моря ветерок разносит аромат цветущей глицинии, буквально обвивающей все здание. Жозефина говорит, что этой глицинии уже более 70 лет, поэтому и свое жилище она назвала «Дом глицинии». Работает художница в большой мастерской-студии с деревянным пирамидальным потолком и громадными французскими окнами. Из студии можно выйти на большой балкон, с которого широкая лестница ведет прямо в сад.
Жозефина Уолл не отделяет себя от персонажей своих картин
Жозефина считает, что художник, живущий в окружении прекрасной природы, не может не быть своеобразным каналом, по которому Мать-земля передает свою энергию людям, помогая им понять не только очарование, но и хрупкость мира, который нас окружает. Поэтому своим творчеством она стремится пробудить в людях желание «сделать все возможное, чтобы защитить нашу драгоценную и красивую планету, и излечить ущерб, который мы ей уже причинили». Удивительные миры, созданные талантливой кистью Жозефины Уолл, уже давно радуют людей, помогая им не только насладиться красотой, но и попытаться лучше понять себя. Художница образно разделяет свои живописные работы на несколько «миров»: «Мир воздуха и воды», «Мир фей», «Мир богинь», «Сюрреальный мир». Жозефина Уолл создает свои картины в стиле, который обычно называют фэнтези. Естественно, что в них нет социальных мотивов, но они красивы и добры, наполнены своеобразным очарованием и дарят ощущение погружения в счастливые детские сны, они притягивают своей необычностью и их интересно рассматривать.

Метафизический реализм.

2

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 19-09-2011

Метки: , , , , , , , ,

Композиции, объединённые характеристикой — метафизический реализм.

Гаджиев Сабир Тахир-оглы
родился в г.Киеве 5 июня 1967г.
Гаджиева Светлана Игоревна
родилсь в г.Челябинске 17 ноября 1963 г.
Закончили Академию Художеств им. Репина в Санкт-Петербурге в 1993г., факультет архитектуры.
Специальность — художники-архитекторы.
Имеют двух дочерей, много друзей и громадное количество планов!

В творчестве присутствует, лишь для них присущая, неожиданность композиций в результате наслоения различных литературных тем и изобразительных планов, несоблюдение масштабного равновесия и пропорций. Внутренняя структура картин
представляет собой диалог живописных образов и декоративного
обрамления в виде знаков, чисел, шрифта, изображений насекомых, птиц и рыб.
mask02-smask03-smask04-s
SP-svenece2-sPraga3-s
PaiNat-fish-sPaiNat-moskito-sPaiNat-summerNat-s

ОСЕНЬ В САНКТ-ПЕТЕРБУРГЕ

==============

ОЧАРОВАНИЕ ЗОЛОТОГО ВЕКА- Максфилд Пэрриш

1

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО, цвета нашей жизни | Posted on 18-09-2011

Метки: , , , , , , ,

[youtube]tmdeakuW8gU[/youtube]
Художник Максфил Пэрриш ( Maxfield Parrish) (25.07.1870 – 30.03. 1966) — знаменитый американский художник, автор многих живописных полотен со сказочными сюжетами — прожил долгую жизнь и очаровал не только Америку, но и весь мир. Родился в Филадельфии, Пенсильвания. Он был сыном художника-офортиста Стивена Пэрриша. Он начал рисовать для собственного развлечения, будучи ещё ребенок. Его отец был гравером художником-пейзажистом, и родители поощряли талант будущего художника.
Эльфы игномы, нимфы и герои древних мифов и сказок жили в его картинах, рисунках, иллюстрациях к книгам, выполненнных в уникальной, единственной в своем роде технике.
Пэрриш изобрел систему живописи, которая использовала только синий, сиреневый, жёлтый и чёрный цвета. Вместо фотографического разделения четырёх цветов, как при процессе печатания, он систематически собирал их на яркой белой (обычно натянутая бумага) основе. Прозрачные масляные глазури поочерёдно покрывались лаком и изолировались друг от друга. Результатом была яркость — и уникальный стиль.
Максфил Пэрриш прожил большую часть своей жизни в Корнише (Cornish), штат Нью Хэмпшир (New Hampshire).
Его работы часто воспроизводились в печатных изданиях, плакатах, календарях.
Художественный почерк Перриша характеризуется использованием масляных красок, вырисовыванием деталей с реалистичной точностью и естественной четкостью, чего он добивался благодаря технике наложения краски в несколько слоев. Стиль этого художника уникален и узнаваем, но его трудно объяснить или описать. Один из цветов палитры, «Голубой Перриш», назван в его честь. Художник часто изображал детей или фей на фоне широких панорам, обвернутых в золотистый свет с густыми синими тенями.

Много современных исполнителей (Енья, Элтон Джон, Moody Blues) черпали вдохновение в картинах Перриша, выставленных в нью-йоркском музее «Метрополитен».

НЕОБЫЧНЫЕ ЗДАНИЯ СО ВСЕГО МИРА — Загадки и шедевры зодчих.

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 11-09-2011

Метки: , ,

Деревянный небоскреб в Архангельске. Снесен в 2009 году. / не умеем мы хранить свои ценности. Плачевно./

Деревянный небоскреб в Архангельске. Снесен в 2009 году. / не умеем мы хранить свои ценности. Плачевно./

“Этот безумный, безумный мир”, — скажете вы, когда увидите эти странные и даже шокирующие дома. А ведь в них живут обычные люди, находятся выставочные центры и офисы. Все дело в том, что проектировали эти здания талантливые архитекторы с безграничной, а иногда и сумасшедшей фантазией, цель которых создать среди миллионов домов, такой, который выделялся бы не только в масштабах страны, но всего мира.

Каменный дом в Гимараеш, Португалия.

Каменный дом в Гимараеш, Португалия.

Ресторан «Mammy’s Cupboard» (Мамочкин буфет) в городе Нанчес, штат Миссисипи.

Ресторан «Mammy’s Cupboard» (Мамочкин буфет) в городе Нанчес, штат Миссисипи.

Кубические дома. Роттердам, Нидерланды.

Кубические дома. Роттердам, Нидерланды.

Casapueblo. Maldonado, Уругвай.

Casapueblo. Maldonado, Уругвай.

Кафедральный собор Бразилии – католический кафедральный собор в столице Бразилии – Бразилиа. Служит в качестве места пребывания архиепископа Бразилиа.

Кафедральный собор Бразилии – католический кафедральный собор в столице Бразилии – Бразилиа. Служит в качестве места пребывания архиепископа Бразилиа.

Музей искусств в Граце, Австрия.

Музей искусств в Граце, Австрия.


Самая большая бочка в мире.  Ресторан Бочка. Россия, Кабардино-Балкария, г. Нальчик. Парковая зона Долинск

Самая большая бочка в мире. Ресторан "Бочка". Россия, Кабардино-Балкария, г. Нальчик. Парковая зона "Долинск"


Самая высокогорная гостиница. на высоте 4200 метров над уровнем моря на склоне г. Эльбрус. Кабардино-Балкария.

Самая высокогорная гостиница. на высоте 4200 метров над уровнем моря на склоне г. Эльбрус. Кабардино-Балкария.

Идеальный дворец в Отриве, Франция. Построен обычным французским почтальоном-энтузиастом Фердинандом Шевалем за 33 года (1879-1912).

Идеальный дворец в Отриве, Франция. Построен обычным французским почтальоном-энтузиастом Фердинандом Шевалем за 33 года (1879-1912).

Фонтан Хижина дяди Тома. Любимое место отдыха горожан и гостей города ПЯТИГОРСК. Кавказские Миниральные Воды. Северный Кавказ.

Фонтан "Хижина дяди Тома". Любимое место отдыха горожан и гостей города ПЯТИГОРСК. Кавказские Миниральные Воды. Северный Кавказ.

Дом Бальо Антонио Гауди в Барселоне.

Дом Бальо Антонио Гауди в Барселоне.

Национальный театр в Пекине

Национальный театр в Пекине

Музей Ripley’s Believe It or Not! в районе Ниагарского водопада в Канаде.

Музей Ripley’s Believe It or Not! в районе Ниагарского водопада в Канаде.

Вилла Пьера Кардена (Palais Bulles) в Каннах.

Вилла Пьера Кардена (Palais Bulles) в Каннах.

Experience music project. Сиэттл, США.

Experience music project. Сиэттл, США.

Experience music project. Сиэттл, США. /Вид сзади/

Experience music project. Сиэттл, США. /Вид сзади/

Небоскреб Огурец в Лондоне.

Небоскреб Огурец в Лондоне.

Мост Banpo в Сеуле, Южная Корея.

Мост Banpo в Сеуле, Южная Корея.

Dynamic Tower в Дубае. Небоскреб, у которого каждый этаж движется вокруг оси здания, независимо от других. Первое здание, способное изменять свою форму. / Ну про архитектуру города Дубаи- это отдельная песня. Как - нибуцдь в другой раз. Очень много интересного отсняла. И это будет уже авторское видение.

Dynamic Tower в Дубае. Небоскреб, у которого каждый этаж движется вокруг оси здания, независимо от других. Первое здание, способное изменять свою форму. / Ну про архитектуру города Дубаи- это отдельная песня. Как - нибуцдь в другой раз. Очень много интересного отсняла. И это будет уже авторское видение.

Публичная библиотека в Канзас-Сити, США

Концертный Зал Тенерифе. Санта-Крус-де-Тенерифе, Канарские острова, Испания.

Концертный Зал Тенерифе. Санта-Крус-де-Тенерифе, Канарские острова, Испания.

Торговый центр «Bull ring». Бирмингем, Великобритания.

Торговый центр «Bull ring». Бирмингем, Великобритания.

La Tete au Carre в Ницце, Франция. Внутри необычного здания расположена библиотека.

La Tete au Carre в Ницце, Франция. Внутри необычного здания расположена библиотека.

Жилой комплекс под названием «Edificio Mirador» (дословный перевод: Наблюдательный пункт) в Мадриде.

Жилой комплекс под названием «Edificio Mirador» (дословный перевод: Наблюдательный пункт) в Мадриде.

Наутилус – необычный дом в биоорганическом стиле построенный в пригороде Мехико в 2006 году.

Наутилус – необычный дом в биоорганическом стиле построенный в пригороде Мехико в 2006 году.

Calakmul building – здание в виде гигантской стиральной машины в Мехико.

Calakmul building – здание в виде гигантской стиральной машины в Мехико.

Жилой комплекс Habitat-67. Монреаль, Канада.

Жилой комплекс Habitat-67. Монреаль, Канада.

Архитектурный шедевр Монреаля, Биосфера, является единственным музеем в Северной Америке, посвященным воде.

Архитектурный шедевр Монреаля, Биосфера, является единственным музеем в Северной Америке, посвященным воде.

Олимпийский стадион в Монреале.

Олимпийский стадион в Монреале.

Храм Лотоса. Нью-Дели, Индия.

Храм Лотоса. Нью-Дели, Индия.

Атомиум в Брюсселе, Бельгия. Был спроектирован к открытию всемирной выставки 1958 архитектором Андре Ватеркейном как символ атомного века и мирного использования атомной энергии и построен под руководством архитекторов Андре и Мишеля Полаков.

Атомиум в Брюсселе, Бельгия. Был спроектирован к открытию всемирной выставки 1958 архитектором Андре Ватеркейном как символ атомного века и мирного использования атомной энергии и построен под руководством архитекторов Андре и Мишеля Полаков.

Музей искусств Милуоки, США.

Музей искусств Милуоки, США.

Лютеранская церковь в Рейкьявике, Исландия.

Лютеранская церковь в Рейкьявике, Исландия.

Офис фирмы Longaberger basket company («Корзины Лонгабергера») в городе Ньюарк, штат Огайо

Офис фирмы Longaberger basket company («Корзины Лонгабергера») в городе Ньюарк, штат Огайо

WonderWorks – здание, которое представляет собой парк развлечений в городе Пиджен Фордж, штат Теннесси.

WonderWorks – здание, которое представляет собой парк развлечений в городе Пиджен Фордж, штат Теннесси.

Еще один перевернутый дом в Шимбарке, Польша.

Еще один перевернутый дом в Шимбарке, Польша.

Изогнутый дом в польском городе Сопот.

Изогнутый дом в польском городе Сопот.

АВТОПОРТРЕТ — Aleksandr Krasnov

1

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 04-09-2011

Метки: , , ,

АЛЕКСАНДР КРАСНОВ

АЛЕКСАНДР КРАСНОВ

Хочу представить вам великолепного художника Краснова Александра и мир его искусства.
Все его картины в стиле сюрреализма пронизаны фантастичными образами и оригинальным взглядом на окружающий мир.
«Я представляю миры, невидимые глазу, но которые становятся доступными благодаря полёту мысли. Это возможно-мысленно облететь Вселенную и вернуться на Землю с новыми впечатлениями. Разве не за ними мы пускаемся в путешествия по странам и континентам?
В одной только нашей галактике может существовать несколько тысяч миров. А во Вселенной мириады таких галактик, как наша. Это даёт возможность думать, что мы не одиноки, просто великие расстояния усложняют общение между цивилизациями.» — говорит о своем восприятии мира художник.

Совсем немного биографических фактов:-
1963 Родился в городе Ленинграде.
1964 Семья переезжает в Хакасию.
1978-1981 Ленинградское
реставрационное училище.
1982-1984 Служба в армии.
1987-1992 Красноярское
художественное училище
им.В.И.Сурикова.
С 1988 Года участвует в городских,
краевых и региональных выставках.
1997 награжден специальной премией
японской фирмы за создание
Фантастических персонажей.
Провел три персональные выставки.
1998 получил Гран-при на
Всероссийском художественном конкурсе,
2001 награжден поездкой в Париж.
Лауреат приза ,,Наследие»
в номинации живопись.
Всего написал более
двухсот пятидесяти работ.
————
Я думаю картины все скажут сами. Знакомьтесь! Посмотреть более подробно картины можно на сайте http://artnow.ru/

Tango Dance World Championship» в Буэнос Айресе — история Аргентинского танго

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 02-09-2011

Метки: , , , , , ,

Новости@Mail.Ru

Фестиваль бальных танцев «9th Tango Dance World Championship» в Буэнос Айресе Перейти в галерею

Появление танго относят к середине XIX века, когда вокруг молодого города Буэнос-Айреса образовались жилые пригороды, населенные крестьянами, приехавшими из глубинки и эмигрантами. Национальные мелодии смешивались, создавая запоминающиеся звуки танго — африканские ритмы тангано, аргентинская милонга, гаванская хабанера, испанское фламенко, ритуальные танцы индейцев, польская мазурка и немецкий вальс.Сначала появились музыка и танец, позже — стихи. Изначально танго танцевали в барах, кафе, игорных домах и «киломбос» (публичных домах). Тогда это был мужской танец — дуэль, своего рода соревнование за женщину. Она отдавала предпочтение самому ловкому и изобретательному танцору. Случалось, проигравший, глядя, как его соперник удаляется под руку с дамой, пускал в ход последний аргумент — нож. Поэтому танец сердца, танец чувства, танго еще называют танцем смерти. В память о тех временах сегодня в Буэнос-Айресе практически каждое танго-шоу начинается с выступления мужских пар.Позднее танго превратилось в парный танец. Во многом и по сей день сохранилась противоборствующая сила и правила игры: мужчина ведет, дама следует за ним.

Оркестр, исполняющий танго, состоит из бандонеона (разновидность баяна), гитары, контрабаса и пианино. В начале XX века к уникальному хрипловатому тембру бандонеона добавились звуки гитары, флейты и скрипки. Появились оркестры, исполнявшие танго. Оно стремительно набирало популярность, и только высшее общество не признавало новой музыки.
Королем танго считался певец Карлос Гардель (1887–1935 гг.), а из современных композиторов большой вклад в развитие этого жанра внес Астор Пиаццолла (1921–1992 гг.).

11 декабря, в день рождения Карлоса Гарделя, в Аргентине отмечается Международный День танго.
[youtube]SJ1aTPM-dyE[/youtube]
Карлос Гардель. Шарль Гардес (его настоящее имя) родился 11 декабря 1887 г. в Тулузе, в бедной семье. В 1893 г. его мать вместе с ним переезжает в поисках лучшей доли в Аргентину, которая тогда казалась Землей Обетованной для многих европейцев. Вскоре они оказываются в Буэнос-Айресе. Период конца XIX – начала XX века для Аргентины и, прежде всего, для ее столицы ознаменовался так называемой «лихорадкой танго». Не смог избежать этой чудодейственной «эпидемии» и молодой француз. Юноша много и успешно выступает на различных подмостках. Шарля принимают в ведущую труппу «Насьональ корриентес» под руководством Х.Раццано, а в 1910 г. впервые выходит на сцену под псевдонимом Карлос Гардель. Проходит несколько лет, и рамки Буэнос-Айреса становятся тесными для «короля танго». Он начинает гастролировать по столицам Европы. Его особая, сентиментально-душевная и глубоко лиричная манера исполнения танго принесла ему поистине мировую славу. В 1930 г. Карлос Гардель заключил контракт со студией «Парамаунт» и снялся в Париже в нескольких фильмах: «Огни Буэнос-Айреса», «Танго Бар», «Мелодия предместий», «Цветок персика». Затем был Голливуд и лента с его участием «День, когда ты меня полюбишь». 24 июня 1935 г. жизнь артиста трагически оборвалась. Он погиб в авиакатастрофе, которая произошла в Колумбии над городом Медельин. В феврале 1936 г. его останки перевезли на родину. Более 100 тыс. человек сопровождало похоронный кортеж до кладбища Чакарита. Прошло почти семь десятилетий, но память об одном из лучших аргентинских артистов жива. Станция столичного метро названа именем Гарделя и украшена его изображением. В мае с.г. был открыт музей артиста в доме на улице Жан Жорес, где он жил с 1921 по 1933 годы.
[youtube]RUAPf_ccobc[/youtube]
Астор Пиацолла родился 11 марта 1921 г. в г.Мар дель Плата. С 1924 г. по 1937 г. жил вместе с родителями в Нью-Йорке, где начал учиться игре на аккордеоне, брал уроки игры на фортепиано у Сергея Рахманинова с целью аранжировки произведений, написанных для фортепьяно, к аккордеону. В Нью-Йорке Карлос Гардель пригласил Пиацоллу записать несколько мелодий к кинофильму “День, когда ты меня полюбишь”, в котором Пиацолла исполнял роль продавца газет. В 1937 г. Пиацолла вернулся в Аргентину. В 1946 г. создает свой первый собственный оркестр «Астор Пиацолла и его характерный оркестр» и начинает писать классическую музыку для аккордеона (в 1953г. его симфония “Буэнос-Айрес” удостоена премии Фабиана Севитски; 1954г. — “Синфониета” номинируется на премию Ассоциации музыкальных критиков Буэнос-Айреса). В 1963 г. Пиацолла завоевал музыкальную премию Hirsch. В 1965 г. Пиацолла сотрудничает с Хорхе Луисом Борхесом, сочиняя музыку к его поэмам. Диск «Танго» выходит в том же году. В 1969 г. произведение “Баллада для безумца” завоевывает всемирное признание. В 1971 г. Пиацолла создает группу “Ансамбль Девяти”. В 1990 г. М.Ростропович исполнил в Новом Орлеане музыку для виолончели и фортепиано “Большое танго” (это же произведение было исполнено Ростроповичем на сцене театра «Колон» на концерте памяти Пиацоллы в 1994 г. и вызвало шквал аплодисментов публики при виде партитуры Пиацоллы на фортепиано). В последние 10 лет своей жизни композитор сочинил более 300 танго, 50 мелодий к кинофильмам, среди которых такие фильмы, как “Генрих IV”, “Люмиер”, “Армагедон”, “Юг” и “Ссылка Гарделя”, а также музыку к театральным спектаклям и балетам. В Италии жюри премии критиков единогласно удостоило Пиацоллу Первой Премии за лучший диск инструментальной музыки. В феврале 1993 г. в Лос Анжелесе Астор Пиацолла был номинирован на премию Грэмми 1992 за произведение «Oblivion» в категории “Лучшая инструментальная композиция”. Международная критика охарактеризовала «Oblivion» как одно из лучших произведений Пиацоллы. Астор Пиацолла умер 4 июля 1992г. в результате тромбоза мозговых сосудов.
[youtube]PcjE7vfzh7g[/youtube]
Как вальс начал свое триумфальное шествие по земному шару с появления Штрауса, так и танго обязано своим торжеством таланту Карлоса Гарделя, выросшего в тех же «аррабалях» Буэнос-Айреса.
[youtube]cFeAwZslAHY[/youtube]
Гардель вывел танго из-под скромных сводов народных таверн, из дешевых баров и кабаре на концертную сцену. С ним танго получило не только официальное признание, но и стало своеобразным музыкальным символом страны.
[youtube]YXPAKwMvY_g[/youtube]
Если вы пришли УЛЫБАЙТЕСЬ!
[youtube]HRt_NQHLznQ[/youtube]

Сальвадор Дали — открытие выставки 3-го сентября 2011

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 01-09-2011

Метки: , , , , , , ,

Новый сезон ГМИИ имени Пушкина открывает выставку.
В Москву прибудут почти полторы сотни работ мастера из легендарного Музея-театра, однако в их числе лишь 22 полотна. Среди них посвящённые жене «Портрет Гала с двумя бараньими рёбрышками, удерживающими равновесие на её плече», «Фигура и драпировка в пейзаже», «Тройное появление лица Гала». Картинам отдан торжественный Белый зал, только что «сбросивший» наряды от Дома Диор. Здесь произведения всех периодов творчества Дали, вплоть до поздних работ, созданных постаревшим мастером, когда он, по сути, давно порвал с движением сюрреализма, хотя и продолжал утверждать: «Сюрреализм — это я!»
Экспозиция отразит его раннее блуждание по разным стилям, начиная от авангардных фовизма, кубизма, метафизики. Эмблематический «Автопортрет с шеей Рафаэля» выдаёт уже неоклассические влияния, в дальнейшем возобладавшие: коллеги довольно быстро заклеймили Дали как ретрограда. Он всласть «играл» то с Рафаэлем, то с Веласкесом и Сурбараном, а то и с нелюбимым Микеланджело.
[youtube]0DooZJutBc0[/youtube]
[youtube]88UcRDTdiZ8&feature[/youtube]

ХУДОЖНИКИ КАБАРДИНО-БАЛКАРИИ — КАРМОКОВ АСЛАН

0

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 04-01-2011

Метки: , , , , , ,

05As.Karmo1-191x300

Аслан Кармоков родился 19 ноября 1963 года в Кабардино- Балкарии.

С 1984 по 88 год изучал живопись, дизайн интерьера, декорацию.
Сегодня автор работает в различных направлениях изобразительного искусства: живописи, книжной графике, скульптуре, кинематографии.
На счету художника множество реализованных дизайнерских проектов ресторанов ( в том числе интерьер ресторана “Горский очаг” в г. Самара), кафе, клубов и прочих учреждений.
Успешным оказался и опыт оформления нескольких книг. Среди них – известное издание “Традиционное карате”.
Аслан Кармоков – автор скульптуры “Крылатый Альп”, символа национального приза КБР за вклад в развитие республики.
Аслан Кармоков принял участие во многих российских выставках. В 1998 году Аслан Кармоков участвовал в собственноручно организованной экспозиции Адыгских художников в Нью Джерси, где исполнил несколько работ на заказ.
В 2004 году Аслан выступил в качестве художника- постановщика в фильме «Потерянная на Кавказе».
В этом же году художник становится одним из лауреатов престижного международного конкурса. В результате этой победы, 5 картин автора («Дракон и птицы», « Ягуар», « В пути», «Орел» « Яблоко») были выпущены в виде сериографий общим тиражом 3000 штук и успешно продавались во многих странах.
Сегодня живописные полотна “Горцы в пути”, являющаяся собственностью Б. Ельцина, “Путь домой” ( коллекция Дж. Уайлдмена) и многие другие работы, входят в галереи известных коллекционеров из стран Европы и Америки.

В данный момент Аслан работает над созданием живописных панно для частных интерьеров, а также ведет организационную и информационную работу по созданию масштабного проекта- серии исторических полотен —

«Пятьдесят картин адыгской истории с древнейших времен по сегодняшний день”

0орор2-300x1540смсм0-300x211

0чч9-300x18901-300x171

03-300x194075ю-300x196

0122-300x218012121-300x239

0орор2-300x154

В ГАЛЕРЕЕ можно посмотреть работы Кармокова Аслана в более полном объеме.

http://as.karmo.ru/

Если появилась заинтересованность по приобретению картин Кармокова Аслана, можно связаться со мной- zautok@mail.ru

или с художником E-mail: As.Karmo@ya.ru

Приглашаем к сотрудничеству художников, специалистов по компьютерной графике, историков, меценатов, а также всех желающих принять участие в создании социально значимого проекта.

ЭХ ВЫ КОНИ, МОИ КОНИ

24

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 18-09-2010

Метки: , , , , ,

0008-931

Николай Егорович Сверчков(1817-1898) Санкт-Петербург. Родился в семье старшего конюха и кучера. Посещал занятия в Воспитательной школе при АХ. Однако слабый здоровьем ребенок не выдержал сурового режима и через полгода был взят оттуда и определен в училище общего типа, после окончания которого по настоянию отца поступил в хозяйственный департамент Министерства внутренних дел. Карьера чиновника не прельщала юношу, который в свободное время продолжал упорно заниматься рисунком и живописью.

Постепенно он развил свои способности до такой степени, что в 1839 г. осмелился послать на академическую выставку первые картины: «Автопортрет», «Ездок», «Итальянка с гитарой» и «Портрет девицы Сверчковой». Успех был очевидным, и его удостоили звания свободного художника портретной живописи. В 1840 г. Сверчков решился оставить службу.

Дар анималиста, умение на редкость правдиво и свободно изображать сцены с лошадьми помогли Сверчкову занять место художника Хреновского и Чесменского государственных конных заводов, крупнейших в России. В этой должности он создал целую галерею, представляющую породистых лошадей. Прославившись своим знанием пород и умением передать их особенности,

Баталический и жанровый живописец. Своим артистическим развитием был обязан исключительно собственному влечению и природной способности к искусству.

В эту цветущую пору своей деятельности, он стал являться со своими работами в парижских. салонах. Французская критика относилась к ним с большой похвалой, а одна из картин, находившихся на парижской выставке 1863 г., «Возвращение с медвежьей охоты», была приобретена Наполеоном III. За нее и за две другие картины: «Ярмарка» и «Станция», проданные также в Париже, он был награжден кавалерским знаком ордена почетного легиона. В том же году С. написал для брюссельской выставки картины: «Туманное утро при восходе Солнца»

Возвратившись из чужих краев в Петербург в 1864 г., он исполнил для Императора. Александра II картину «Выезд царя Алексея Михайловича на смотр воинства в 1664 г.», после чего неоднократно, до 1882 г., удостаивался работать по Высочайшим заказам.

Написал 350 картин,1000 рисунков и 12 скультур.Под онец жизни лишился зрения и умер в нищете.

Эх вы кони, мои кони.
В ролике использованы репродукции картин: «Голова рысака», «Друзья», «Орловский рысак Кролик» «Николай 1 в санях» «Кобылица Волна», «Портрет Александра 2» «Из конюшни» «Орлов-Чесменский в санях» «Загнанные лошади»
«Охотник, сбившийся с пути», « Отдых охотника» « В ссылку» «Мопс» «Охота на волка»
«Тройка на закате» «у кабака зимой» «в метель»


80f77f50f3f5165120081206_nikolai_sverchkovn_horsefile0108photo24sverchkov6sverchkov9Sverchkov__002sverchkov5

СИМФОНИЯ ЦВЕТА

4

Posted by LA PASSATEMPO /zautok - Фелькер Надежда/ | Posted in ИСКУССТВО | Posted on 11-09-2010

Метки: , ,

21_autor

Ольга Орешникова принадлежит к династии петербургских художников: ее дед, народный художник СССР Орешников Виктор Михайлович, в течение четверти века был ректором ленинградского Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина. В этом институте училась и Ольга. Картины Ольги отличает крепкая школа и чуть ироничный взгляд на философские проблемы бытия.(с)

Сейчас художница живет и работает в Израиле, ее работы находятся в различных музеях и частных галереях. Картины Ольги отличает крепкая школа и чуть ироничный взгляд на философские проблемы бытия

06-smack07263a104c62

54856542_olga_b_1984818554858421_olga_b_7c15e15

1263510404_1263494112_anticipation

1263510404_1263494121_a-letter

1263510404_1263494121_smile1263510404_1263494150_circle-of-life-mixed-media

1263510404_1263494332_spiritual-mail1263510404_1263494335_to-hear-out

b6f03034169b

Картины художн ицы можно посмотреть ЗДЕСЬ!

(Музыкальное сопровождение: Марк Мерман — «Лютня»)

watch?v=RJwwrVpRE4M&feature=player_embedded#!

http://www.youtube.com/watch?v=xx-BqoAM6XM&NR=1watch?v=xx-BqoAM6XM&NR=1